Publié le : 07 février 20196 mins de lecture
Au milieu du quatrième siècle avant JC, Aristote a parlé de tablettes suspendues à l’extérieur des plus importants temples grecs, ces tablettes étant les premières images de l’histoire. Depuis lors, la peinture a été le véhicule par lequel une infinité de passages historiques ont été racontés à ceux qui ne les ont pas vus dans leur chair.
Des années plus tard, les artistes italiens ont inventé la perspective, une technique avec laquelle ils déplaçaient des espaces tridimensionnels sur des toiles que seuls deux d’entre eux possèdent. De cette façon, les peintures ont été transformées en fenêtres. Et ce n’est que jusqu’au XIXe siècle que les canons artistiques prônent un art qui représente non seulement des objets ou des personnes, mais aussi des sentiments, des concepts intangibles (amour, mort, désir, etc.), ainsi que les possibilités de l’imagination.
Après, l’homme et le conflit. Les désaccords se sont matérialisés dans les armes et, avec eux, les propres intérêts (cachés sous de terribles négociations) ont amené avec eux les guerres mondiales. L’art est devenu une incertitude latente sans une rigueur explicite dans sa composition, c’était le moment d’un changement et à la fin de la Seconde Guerre mondiale a commencé une phase d’expérimentation.
Des gouttes, des lignes, des images ou des dégradations de couleurs figuraient dans l’art dans lequel les mythes grecs ou les passages bibliques étaient exposés montrent la perfection et le reflet de la réalité de l’art, jusqu’à ce que Caspar David Friedrich, peintre paysagiste du romantisme allemand la situation en une seule déclaration: « le peintre doit peindre non seulement ce qu’il a devant lui, mais aussi ce qu’il voit en lui-même ». La fenêtre ouverte par les Italiens était grande ouverte. Le défi consistait maintenant à comprendre ce que l’on voyait dans cette fenêtre.
Avez-vous ressenti de la répulsion lorsque vous contemplez un tableau ?
Willem de Kooning a été l’un des premiers cas à faire sensation. La stridence de ses traits contrastait avec les canons picturaux antérieurs au modernisme. La remise en question de la critique est alors venue « comment apprécier un tableau qui n’a pas de forme définie? », Une seule voix est sortie pour défendre les peintres abstraits. Clément Greenberg a inventé son propre standard de qualité, appelé à lui seul « standard AbEx », en référence à l’expressionnisme abstrait. Une évaluation qui a pris en compte le style et la technique des peintres, des gouttes incessantes de Pollock aux atmosphères chaudes créées par Mark Rothko.
Cependant, Gwen Chanzit, conservatrice d’art au Art Museum of Denver, aux États-Unis, a affirmé que contempler et qualifier les peintures « n’est pas comme lire un manuel: la qualité d’une bonne œuvre expressionniste est peut mesurer, principalement, par la façon dont vous vous sentez … « En effet, la réponse émotionnelle provoquée par chacune de ces peintures fonctionne comme paramètre permettant d’établir l’impact d’une peinture: plus on passe de temps à regarder la pièce, meilleur elle est. le jugement de qui les apprécie.
Pourriez-vous reconnaître un tableau par sa « personnalité » ?
La valorisation des œuvres d’art est influencée par nos environnements socioculturels. La même chose qui se passe avec les empreintes digitales se produit avec les peintures, aucune n’est identique à une autre. Même s’ils appartiennent au même courant artistique, le style du peintre responsable les distingue les uns des autres. Rothko n’a jamais imité Kandinsky, n’a pas eu besoin ni l’intention de le faire, ce qui a permis au mouvement abstrait de prospérer.
Un autre élément qui participe à cette dynamique est le marché. L’évaluation visant à commercialiser une peinture abstraite tient tout d’abord compte du peintre: qui est-elle?, Quelle est sa reconnaissance au niveau international?, Puis la peinture elle-même est évaluée . Cependant, l’essentiel est de discerner le style du peintre dans chacune de ses œuvres. Il ne s’agit pas de peindre une toile, mais de transmettre avec elle et personne ne le fera jamais comme ils l’ont fait.
La peinture de Rothko « Noir et bleu » est associée à l’image de pluie dans la fenêtre. Les lignes de Pollock avec les nids des oiseaux, Kandisnki avec les accords d’une mélodie et Paul Klee avec les champs verdoyants.
L’auriez-vous imaginé? A quoi sert de connaître le moment historique dans lequel ils ont été créés?
Dans le cadre de l’évaluation du marché et des critiques d’art, les œuvres sont soumises à une évaluation dans laquelle des facteurs quantifiables sont pris en compte, tels que: la palette, la taille, le mode d’exécution et la condition historique dans laquelle elles ont été créées. Des aspects techniques qui rendent une peinture « juste » selon les cercles qui tiennent compte de l’évolution et du développement des différents canons de l’art.
Kandinski, par exemple, a collaboré au ministère de la Culture de la Russie, son pays d’origine, a également enseigné des cours de peinture et de dessin pour débutants dans différents épisodes de sa vie, moments qui ont influencé la création de ses œuvres et qui, jusqu’à aujourd’hui, ils restent parmi les référents picturaux du siècle dernier. Ses peintures sont, selon les mots de Kandisnki lui-même: « des expressions de sentiments qui se forment en moi … »
La compréhension de l’art abstraitcela n’exige pas un bagage philosophique très étendu ni la maîtrise des arts esthétiques; il suffit d’ouvrir l’esprit, d’ajuster le regard et de disposer de notre sensibilité. Les leçons académiques ici ne fonctionnent pas, le raisonnement peut attendre un moment pour laisser les émotions prendre leur place et remplir leur objectif. Pour mieux les apprécier, il y a des choses qui exigent du sentiment et c’est là que commence le sens.